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通俗唱法的基本功

來源::未知 | 作者:admin | 本文已影響

歌唱訓練的特殊性:人人都有嗓子,人人都會唱歌,可唱出來的效果卻有天壤之別.不從事聲樂專業的人對唱得好的人的結論往往很簡單----嗓子好.事實不盡然,有的人嗓子又高又寬又亮,唱起歌來就是不好聽.有的人嗓音條件很差,甚至高不上低不下,也不響亮,唱出歌來就是動聽,這就是樂感好,而不是嗓子好.因而又有人說:唱流行歌不需要嗓子,只要樂感好就行了,這又從一個極端走向另一個極端.不應該把歌唱的基本要素相對立起來,這些基本因素就是聲音、樂感、技巧.

聲音人人都有,作為專業訓練要求的聲音,通常叫作“音色”加工.在西洋傳統唱法中,音色被放在首位,因為它有特殊的要求標準:純度、濃度、光亮度.在通俗唱法中對聲音沒有如此講究,但不等于沒有要求.盡管通俗唱法中,對聲音具有多層次的特點,在音區和音量上對歌手仍是有所要求的,我們不能以《小芳》、《世上只有媽媽好》那樣低層次的歌作為通俗唱法的代表;也不能以《戀尋》、《寂寞讓我如此美麗》、《千萬次的問》等較高層次的歌作為代表,因為任何事物中間大兩頭小的共性,中等層次水平的歌最多,這一層歌迷也最多,但作為一種唱法的研究的專業訓練,出發點必需放在高層次來要求,即便通俗唱法對音色沒有太高的要求.光以“歌唱的聲音必需和說話的聲音統一”這一點而言聽起來很簡單,可許多人就是做不到;再以“氣聲”為例:這種僅屬于通俗唱法特有的發聲方法在不同人口中唱出來效果完全不同,唱得好的氣聲有“磁性感”,唱得差的全在漏氣,無聲可言.區別在哪里?前者氣中有“質”,后者沒得.“美聲至上”者認為通俗唱法的高音全是在嘶叫.就算是吧,可為什么有些歌手“叫”出來令人拍手叫絕;有些歌手叫出來讓人受不了?有些人嗓子叫得不壞,有些人一叫就壞.這些具體問題難道不值得思考么?

可見任何歌唱模式,不管美學標準如何不同,都存在優劣之分.如何由低向高、化劣為優就要學習方法.筆者曾得《聲樂實用指導》一書中(1995年1月上海音樂出版社出版)中提出這樣的觀點:方法有自覺和自發兩種,自覺的方法往往是指經過拜師學藝學來的;自發的是指從未拜師卻唱得很有方法.也就是“學而知之”和“生而知之”的區別.生而知之應理解為不自覺地得發聲上使用了符合歌唱要求的生理----物理調節;而自覺的方法正是從無數不自覺的總結出來的;實踐先于理論.依據這一論點,有些從未學習過的歌手唱起來卻比從師多年的人唱得好的例子就不足為怪了.有些歌唱者先天有高音(除了聲帶天生又薄又短情況外).戈特勒發現了聲帶具有縮短和邊緣振動的特殊機能,那些不怕高音的人正是不自覺地使用了這種發聲機能,于是高音問題從理論上得到了解決.再回過來使用于實踐----對“恐高癥”的人教他們學會這種方法之后,“恐高癥”便治愈了.再以用氣為例:中國千百年來把丹田氣作為演唱藝術的基本要求,成為民族唱法的基礎,它形成的過程和性質,與解決“恐高癥”相同,都有一個實踐----理論----實踐的過程.這就叫方法,二者也成了研究科學發聲的基礎.

許多自學成才的歌手離不開“摹仿”,摹仿的形式看起來是學歌,而實際上往往也把被摹仿者的方法一起摹仿過來了,投師學藝或自學不過是形式不同而已關鍵在于效果----是否“得法”.不論何種演唱藝術,要達到高水平,都得有基本功.有些歌沒有基本拉就是唱不下來,有些歌沒有基本功也能唱.像《小芳》那樣的歌,如果給有功底的人去唱,是否大材小用?并非如此,有功底的人唱起《小芳》來肯定比沒有功底的人唱得好.那么通俗唱法的功底是什么?如何去訓練?以舞蹈為例:不論芭蕾舞、中國民族舞、國際標準舞以及現代勁舞,腰腿功都不可少.如果腰不軟、腿沒勁,舞感再好都不會給人以美好的視覺享受.歌唱藝術對基本功的要求與舞蹈是同樣嚴格的.西洋傳統聲樂的基本功在發聲上是打開喉嚨和集中聲音(聲樂術語也叫“關閉”);在呼吸上建立強有力的支持.通俗唱法與西洋傳統唱法的基本功沒有原則區別,不同的是打開喉嚨的方式,西洋傳統唱法要求在低喉上打開喉嚨,這需要經過長期的訓練才能做到,如同芭蕾舞強調用足尖站起來跳舞的情況相同.通俗唱法不強調這一點.打開喉嚨的具體涵義是喉----舌的對抗,通俗唱法中至今仍有不少歌手喉嚨打不開,特別是高音區,用高喉位而不造成 “聲道阻塞”,這在通俗唱法中是允許的;但高喉位只要稍有“位移”,卻是非常容易產生“聲道阻塞”的,這個矛盾在中國民族唱法中早已獲得了比較園滿的解決 ----用“腦后摘筋”的辦法.在通俗唱法中,打開的目的不是為了共鳴的需要,而防止聲道阻塞.但是就效果而言,適量地打開喉嚨對演唱歌曲的效果來說是積極的.這也是歐美唱法的效果為什么比港臺唱法效果好的主要原因之一.具有喉----舌的對抗動作產生的聲音,無論力度、質感都會得到加強.所以打開喉嚨這種基本功在通俗唱法的訓練過程中,地位雖沒西洋傳統唱法那么重要,但仍不應忽視.

通俗唱法的基本功是“壓縮聲帶”和建立“動態下的氣息支持”.在此有必要引證一段帕伐洛蒂的話來說明壓縮聲帶的意義:“當中聲區進入高聲區時,喉嚨部位有一種“收緊”的感覺,這不是肌肉的力量,相反,有關有肌肉必須是很放松的,像正在“打呵欠”一樣,但你必須促使聲音更壓縮(Squeezed)在開始學習掌握這種感覺時,似乎“失聲”了(Socrificed),這樣使聲音變化了.開始時,會經常把聲音擠壓破了,這是正常的,然而,當正確的方法開始被掌握時,那就是十分安全而保險的方法了.即使一時還不能有漂亮的聲音,駕馭熟練后就會漂亮起來.”

這一段話對通俗唱法的訓練,有著同樣積極的意義,因為它具體地提供了解決高音的方法并闡明了產生高音過程中會出現的反應.不僅如此,這個方法也同時解決了令女聲同樣困擾的“換聲”問題.帕氏所說的喉嚨收緊,實際上是聲帶收緊.他說有關肌肉必須是放松的,用筆者的話說,聲帶的收緊是建立在喉嚨放松的基礎上的,喉嚨處于打呵欠的狀態就是打開喉嚨,但二者是一種不容易掌握的矛盾統一,因為喉嚨和聲帶處于同一位置(據說帕氏為解決“高音的過渡”化了六年時間)人的習慣本能是:要么喉嚨和聲帶同時都“緊”起來,要不就是一起都“松”了.但只要化功夫,肯定是能夠學會的,這一點下面還要詳細探討.

用“壓縮聲帶”來發聲或唱歌的原理,聽起來似乎有些“玄乎”.其實并不,因為聲帶的形狀很象人的嘴唇,只要看到吹小號或吹笛子的人怎樣吹奏這些樂器時的口唇形狀,就不難理解聲帶在歌唱時的狀態,“壓縮”或“收縮”聲帶的涵義也變得很形象化了.

另一個基本功是建立動態的氣息支持.為什么要加上動態二字?氣息支持不是人所共知的理論么?理由是“知道”歌唱要有氣息支持的道理并不難,但“做到”氣息要有支持其難度不亞于上述要求;同時還要做到聲帶緊----喉嚨松的矛盾統一.雖然說通俗唱法最接近說話,但說話和歌唱畢竟是有區別的.主要反映在音域上,說話音域“狹”,唱歌音域“寬”,說話有一個八度就夠了,歌唱絕對不夠;氣息也同樣有區別,說話時用氣“持續”短,歌唱時用氣“持續”長.作為能源消耗量而言,說話消耗少,歌唱消耗多.更何況歌唱有高低、強弱、剛柔之分,因而必須要建立一種能調控的呼吸機制.常見的所謂呼吸訓練法往往有三個錯誤傾向:1、重“吸”不重“呼”,而忘了歌唱是在“呼氣”狀態下進行的;2、重“姿勢”而不重實效,認為只要保持兩肋張開的姿態去唱歌,就是做到了有支持的呼吸,這樣做的結果常常適得其反,“保持”在大多數情況下,都成了“僵持”,試問氣息不流動了,能源供應停止了,聲音還怎么再能流動?歌聲又如何流暢? (這個問題在下文《誤區》中還要談到.)3、“提氣”與“壓氣”的失調:提氣----壓氣在歌唱中是矛盾的統一,氣息是“往上的,沒有氣息對聲門的壓力,又何來聲音?壓氣是對所提氣勢大小的“制動閥”,所謂排泄式呼吸法就是把壓氣當成了目的,完全忽視了提氣的主導作用.具體的方法是要求在收下腹和鼓上腹同時工作,但鼓上腹的力永遠不能大于收下腹的力,二者的平衡就成了“僵持”,如果光是下腹鼓出,就成了排泄式;如果光是上腹“收緊”,聲音會“憋”住而唱不出.

有人說:“唱歌是呼吸的藝術.”不無道理.這對通俗唱法而言同樣適用.從建立歌唱的呼吸機制,以學會控制這種機制,是需要時間和功夫的,它畢竟和日常生活的呼吸是完全不同的.

由于以上兩種機制都要經過專門訓練才能使用到歌唱的實踐需要上,所以稱之為歌唱的基本功.不論西洋傳統唱法、抑或其他任何唱法,這種生理上的發聲要求都是一致的,唯一稍有差別的只是通俗唱法對于喉嚨打開的出發點更多是為了聲道通暢無阻,不像西洋傳統唱法打開喉嚨的出發點是為了“建造共鳴腔”,以求在自身建立一個擴大器.

 

通俗唱法是一門和電聲密切結合的學問,因而與話筒結下不解之緣,話筒有質量上的區別,而更重要的卻是音響師(或稱主調音師),“調音”是一門相當高深學問,不僅要充分了解各種鍵鈕的性能,更重要的是對各種嗓音要具有高度敏銳的瓜能力.大歌星都有自己特聘的調音師,一個優秀的調音可以造就一個歌手成為 “星”一個拙劣的調音師也可以毀掉一個歌星.所謂“錄音棚歌手”,大多只有樂感(有的甚至樂感都很差)而沒有唱法基本功,從音量到音色,全靠電聲塑造.隨著科學的高度發展,很可能有一天會產生電腦歌手,不過這就不在本收探討范圍內了.但作為一門唱法來討論,“唱”始終該是“主”,電聲應該是“客”,這個概念不能顛倒(現實中的確存在這種顛倒現象).有些拙劣的音響師(俗稱開關師)根本不懂音響,更無自知之明,效果不佳時,還一味埋怨歌手唱得不好,弄得歌手啼笑皆非.音響學是一門非常高深的科學,國際上從事音響工作的人,是相當受人尊崇的;特別是這個“師”的頭銜,它要求高度靈敏的聽覺辨別力加上熟練的控制調音臺的能力.才配得到“師”的桂冠.

作為歌手而言,使用話筒的主觀方面和音響師配合的客觀方面都屬必須重視的技術課題.成為通俗唱法比別的唱法更占有重要地位的內容.

它的具體要求是:
1、 聲音必須要讓聽眾感覺到清晰的“質感”.要做到這一點,就必須在演唱時,聲音充分靠前.這種靠前還必須是“高度集中的”.“質感”是以高度“聚焦”的形式來體現的,點子越小,質量愈高.

2、音量控制不是以放大----縮小來體現的,而是以上述這個小小的聚音點的亮----暗控制體現的,這種技術要求的目的是為了唱者廣大音量時,音質仍保持聚而不散.在減弱音量時,更不能失去“質感”,哪怕唱氣聲時,仍不失去“質感”,電聲再高明,只能改變唱者的音色,卻無法制造出“音色”來.

3、音質產生于聲帶的振動,振動來自聲帶的張力---- 阻力,因而發音的“焦點”必定在聲帶上,西洋傳統唱法中有一句聲樂術語叫做----“讓聲帶歌唱”.帕伐洛蒂說過:“聲音是從聲帶開始的,必須使聲帶立即振動起來.”就是這個意思.

4、在通俗唱法中也有一句聲樂術語----“聲必須靠在聲帶上”.也是同樣性質.如果說聲音的出發點在嘴巴,聲音就無法靠在聲帶上了.也就是聲帶的張力----阻力不到位,所產生的聲音效果要么奶聲奶氣的;要不聲音就無法集中;日本歌壇目前就有這么一種唱法,據說是為了表現“清純”的效果.相比之下,我國的楊鈺瑩、何影在這方面就是比酒井法子、松田圣子要強.奶聲奶氣作為一種表演特色未嘗不可,但完全脫離了聲帶的基本振動和氣息的支持就成了“做作”了.“讓聲帶歌唱”五個字同時可以具有三個內容:聲音意識不要以“嘴”為出發點,而是應以聲帶為起點,這是一種意識,(因為聲音實際上總是通過嘴巴出來的)始終應以聲帶為“起點”;第二種是從生理上說的,在讓聲帶歌唱時,“軟腭的兩邊必需放下來”,好像一直掛到脖子下面,這是在歌唱時的一個非常重要的條件,因為它是解決聲帶緊喉嚨松的關鍵.腭弓松了,舌頭就自由了,下巴也放松了,喉嚨才可能打得開.反過來,腭弓一繃緊舌根立即下壓,造成聲道堵塞,一切全完了;第三種是指“聲音靠在氣上”(傳統唱法有此要求,歐美流行唱法同樣有此特點)因為歌唱方法的本質是氣息----聲門的阻抗,沒有積極的聲門張力- ---阻力又如何能和氣息產生阻抗?聲帶的調節是一切科學唱法的核心,通俗唱法當然也不例外,也是歐美唱法的區別于港臺、日本唱法的標志之一.這種方法的優點是聲音“質感”強,嗓音特色顯著.值得我國歌壇借鑒.

5、聲音必需充分唱出來的另一體現是吐字.盡管通俗唱法的吐字建立在平時說話自然的基礎上,但畢竟仍有程度上的差別.應該說歌唱吐字要比說話夸張得多,就如同演話劇時念臺詞的吐字比平時說話要夸張的情況相同.通俗唱法的吐字在發聲時要求舌頭左右橫向拉緊,這一強調的目的是讓聲音更靠前,更清晰,舌頭好象一直處于英語中“get”、“let”、“like”那個位置上.通俗唱法的吐字沒有像中國民族唱法中“噴口”、“咬口”,那樣講究.也不象西洋傳統發聲那樣,要求腔體打開如同打哈欠的位置上吐字.它始終要口腔后部盡量不要大于口腔前部.因此在歌唱時絕不能有意識去張大口腔后部,也就不要提軟腭.通俗唱法也不要求張大口,只需口腔前呈“喇叭形”,不影響聲音靠前即可.(貓咪叫時的嘴巴形狀,形象地說明了唱法的口型要求)

曾有過這樣的情況:某女歌手平時歌唱時聲音很輕,可演出時音量很大;另一女歌手平時音量很大,在臺上演出音量卻很小.為什么呢?原來前者音量雖小卻有“質”,而且聲音很靠前;后者音量大卻不集中,造成質感模糊.又因“靠后”----口腔后面大于前面;聲音雖大但出不來,等于不大.那么是否通俗唱法就不能使用“靠后”的意識呢?回答是在絕大多數情況下,通俗唱法無論是意識還是效果都應是靠前的.只有在特定條件下,允許采取臨時“靠后”的權宜之計.這是指某些歌唱者在歌唱時下巴習慣性向前凸出,以至于造成聲道阻塞,為了矯正下巴的位置,允許聲音暫時“靠后”,其目的是促使下巴退后.如果這樣做確能有助于矯正下巴外凸的毛病,但當錯誤一旦得以糾正之后,仍需按通俗唱法的“靠前”要求來歌唱.保加利亞著名聲樂教師勃倫巴諾夫曾斷言:歌唱的秘密是“靠前、再靠前”.為什么要如此強調靠前?在西洋傳統聲樂界,曾有過“靠前”----“靠后”的長期爭論.原因是“共鳴”這個內容,常常容易讓人造成錯覺----讓自己的耳朵聽到振動,這種本能的習慣意識會讓唱者不自覺地讓自己把聲音安放在口腔后部----距離耳鼓膜最近的地方,造成了自以為聲音很響但人家聽起來并不響.在通俗唱法中同樣可能發生這種情況,絕大多數歌唱者忽視了唱者自我感覺和聽者實際感覺是兩回事這個客觀現實.在高音上的自我感覺,甚至和實際效果完全相反.如果一個歌唱者不能建立走這么一個概念----隨時不忘用自我的耳朵去聆聽自己的聲音----即清楚地知道自己的聲音在聽眾耳朵中的實際效果的話,是絕對唱不好歌的.有些歌唱者自我感覺特好,實際卻完全相反.有些歌手唱得很好,卻老是自卑地認為自己唱得不好,要樣,這個問題在下文《唱法的誤區》中還要談到.“唱出來”就是“靠前”的本意,但傳統聲樂的靠前和通俗唱法的靠前在聲音效果上是截然不同的,通俗唱法就是要西洋傳統唱法中的“白聲”,甚至可以說要求越“白”越好.

6、氣感:氣感不只是一種意識,更是一種“效果”,上述呼吸中用上下腹對抗來建立支持是一種手段,這并不是說在歌唱時兩肋能保持張開的姿勢就算有了氣息支持的情況一樣,“氣感”正是對這種方法后鑒定.以教堂的鐘為例:如果這個鐘沒有掛起來就敲擊它,聲音短促而難聽;掛起之后再去調皮擊它,聲音會產生回蕩的余音,傳送十里之遙.氣感能使歌聲始終帶有回蕩的“余音”,聽覺效果明顯不一樣,唱者的自我感覺是清楚地感到胸中有“回聲”.

以上幾點是通俗唱法實踐應用中必需注意的具體要求,盡通俗唱法是多制式、多層次的,這些要求卻是一致的.但對不同層次的歌手的具體要求標準可以有所區別.如果我們按能高能低、能強能弱、能剛能柔、能亮能暗這十六字為準繩,對高層次的要求:十六字全部到位;對中層次是部分到位;對低層次的可不講究到位.這是指技巧要求.有些歌星樂感達不到一流,而技巧卻是一流的,仍能達到一流之列.作為一流樂感的歌手,縱然技巧不足,也無損于他們成為一流歌手的可能,因為樂感在通俗唱法中畢竟是首要的.正因為如此,樂感不足的人唯一的出路只有通過技巧去彌補了,而技巧制造出來的力度對比、色彩對比以及高音的爆發力等技巧,即使不能達到“動心”的效果,至少可以達到“動聽”的效果.不可否認有這樣的事實:有些樂感較差的人,通過“制造”卻“激發”出了真的樂感,這叫弄假成真.

畢竟一流樂感的人是少數,渴望“制造樂感”的人是多數.基本功是培養“能力”的,“能力”則是技巧的基礎,學好基本功無疑需要付出一定的勞動代價,但也一定會有收獲.任何唱法模式,當經驗上升為理論時,都會發現它們有著自己的發音“套路”,在聲樂專業術語上也叫“狀態”.西洋傳統唱法為建立這個“狀態”需要化費很長時間和精力.最終仍未必都側“種豆得豆,種瓜得瓜”.到頭來顆粒無收的也不在少數.通俗唱法的基本功相對要比起西洋傳統唱法要簡單,就如同芭蕾舞和現代舞的情況相似:芭蕾舞非要用足尖支撐,現代舞卻不需要,但在腰和腿方面都需要有“功”.芭蕾用“足尖”的特定要求與西洋傳統唱法要求在“喉頭沉底”的基礎上歌唱,同樣是難度很大,訓練的“耗時”自然也長.通俗唱法則無此要求.如果的抽掉了這項特殊要求就認為通俗唱法不需要基本功,結論未免輕率了.任何唱法模式,只要有技巧要求就必要基本功,只是按不同的美學效果來建立自己的不同“狀態”罷了.


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